我很少喜歡所謂的「偶像」，因為偶像本身和作品之間，總是有種不太貼合的感覺：像是角色扮演一樣，並不是在表現自己真實的想法。第一次讓我感覺偶像可以表現真實自我的人，是濱崎步。
從一開始用歌詞自剖個人經歷，到後來對製作的各方面有了話語權，可以自己動手修改造型、決定專輯曲風、選擇表演夥伴，幾乎可以說成為了製作人，都讓我覺得自己喜歡的不再是一個「商品」，而是有血有肉的人。
她也有過製作人被迫辭職的經歷。她選擇和製作人站在一邊，除了當時還不為人知的感情因素以外，應該也是體認到：因為有製作人的包容和協助，她才能做自己想做的音樂、展現自己認同的形象吧。當時她貢獻了公司近半的業績，當然有很強的話語權，也成功救回製作人。像這樣由藝人撼動公司政治，雖然是很少見的例子，她支持的人也有許多爭議，但這樣的骨氣還是讓我很佩服，也慶幸自己喜歡的是敢表態、不委屈求全的人。
說到中田ヤスタカ，會想到CAPSULE、Perfume和卡莉怪妞，但「三戸なつめ」好像就比較不為人知（事實上也真的沒那麼成功）。今天YT重新推薦，我才想起來：她的「I’ll do my best」是一首好歌。
不知道台灣哪時候開放了《nine cubes》——象徵華原朋美和TK走向分手的專輯。雖然我不算粉絲，但以前頻率比較低的時期反而常聽⋯⋯
開頭的「daily news」就相當悲劇：稱不上出色的雷鬼諧趣曲調，配上輕重緩急漫無章法的可愛風（？）唱腔，呈現出有點詭異的精神恍惚狀態。還有旋律宛如雲霄飛車高低起伏的「tumblin’ dice」：專輯新錄的vocal大失控，過剩的抖音和感覺快唱到哭的緊繃嗓音，聽起來像是駕馭不了這首歌，反而單曲發行時上節目打歌的狀態是最勇的，讓人疑惑專輯的錄音怎麼會變這樣。
正統抒情歌「here we are」其實有些單調，尤其副歌，很難說是寫得很好的歌。再加上當時她對中低音的掌控較弱，拉長音時不由自主的走音，像是又搞砸了⋯⋯但我覺得就只是不適合她而已。
其他非主打歌感覺都挺隨便的，旋律、編曲結構不完整、氣氛莫名詭異，也有可怕的歌詞：「站在大樓屋頂的角落／各種想像而感到恐怖」（need somebody’s love），各方面都給人不太健康的感覺。但就是有一種魔力，讓我偶爾想聽這張專輯，大概覺得這是負面情緒可以沉浸的空間吧。
有人提到K-pop演唱會大多有翻譯，但日本藝人通常沒有，而且感覺大部分歌迷還聽得懂。大家都開玩笑說粉絲「人均N1」，但K-pop粉絲不會韓語的反而是多數（很基本的用語不算）。我在出版社也注意到，學韓語的風氣始終和日語有段距離，甚至還有一點下滑的跡象。
又找回BoA的日語單曲「I SEE ME」來聽，真的很喜歡這種發人深思的歌詞。用過去的理想衡量現在的自己，可能會感覺自己根本一事無成，但事實是生命一直在默默前進，不可能總是原地不動。現在的自己，可能已經到了以前沒想像過的地方，可能不如預期，但也可能是最合適的安排。
不知不覺裡 在自保與熱情的狹縫間掙扎
隨著季節更迭 越來越模糊
往日所描繪的未來
「不過，這樣也好」心它這麼說道
與其循著未來的藍圖
不如懷抱著確實已到手的當下前進
I SEE ME
失去的 以及獲得的…
用曾經走過的歲月編織出明天
這份苦澀 是為我指路的路標
至於歌本身，不得不說這時候可能是她歌唱實力的高峰期，大量高音區的強混聲與各種轉音，聽起來太爽快了。最近的歌就大多用假聲、氣音取代，雖然是比較輕柔婉約，但就是沒有年輕時那麼powerful了。
雖然我現在K-pop聽得比較多，但還是覺得J-pop的多元性大勝。韓國除了偶像藝人以外，還有第二梯隊hip-hop/r&b，也有一套成熟的商業模式。至於獨立樂團環境就比較低迷，而另類音樂不闖海外幾乎是死路一條。
我在想，是否因為日本livehouse體系比較成熟，讓比較多樂團有可持續的實體演出環境，而比較容易培養歌迷、維持收入，也確保了多樣性？
韓國的實體音樂場地以夜店為主流，EDM DJ和rapper都有表演的舞台。而樂團為主的livehouse雖然也有，但就是沒那麼興盛，給地下音樂人的舞台就少了。
看起來，日本培養獨立音樂的土壤似乎比較肥沃（當然人口優勢可能也是個原因），所以在大型資本主導的流行音樂以外，日本總是有非常多獨立樂團可以挖掘。這種由下而上的自發性音樂發展，應該是樂壇推陳出新的重要動力吧。